Editionen, die Sie vielleicht verpasst haben

Meisterlich-eigenwillig modelliert Olivia Berckemeyer Materialien. Häufig arbeitet sie mit Bronze, die bei ihr tropft, als wäre es Wachs. Hier ist es Porzellan, das mit seinem sanft fließenden Guss betört. Das süße Gebäck, das in der Hauptstadt „Pfannkuchen“ genannt wird, steht laut Berckemeyer „für Freiheit und Frieden und Berlin“ ‒ und ist damit „ein wichtiges Symbol unserer Zeit“! Verführerischer lassen sich gesellschaftliche Träume kaum gestalten.

Peter Schlesinger, 1966 in Los Angeles geboren, lernte 18-Jährig in einem Sommer-Malkurs den damals 11 Jahre älteren Maler David Hockney kennen. Es war eine folgenreiche Begegnung: Schlesinger wurde zur Muse und zum Liebhaber des berühmten britischen Malers, in vielen seiner frühen Werke, wie etwa dem berühmten Swimming-Pool-Werk "Portrait of an artist (Pool with two Figures) taucht Schlesinger auf.
Doch Schlesinger verfolgte stets seine eigene Karriere als Fotograf und Bildhauer. Arbeiten von Peter Schlesinger waren in bedeutenden Ausstellungshäusern zu sehen, darunter die Hayward Gallery und die Royal Academy of Arts in London sowie die Tate Gallery in Liverpool.

„Seine berühmten Strichmännchen sind keine Markenzeichen zum Zwecke der schnellen Wiedererkennbarkeit, sondern archaische Symbole des Aufeinanderzugehens.“ Das schrieb die „taz“ 2017 in ihrem Nachruf auf A. R. Penck. Und die „Süddeutsche Zeitung“ stellte anlässlich seines Todes klar, „dass ‚Strichmännchen‘ womöglich eine schablonenhafte Vereinfachung des Lebensprojektes eines Ausnahme-Künstlers war“.

Im Jahr 2012 hat René Holm damit begonnen, Seiten aus Magazinen herauszutrennen und mit Ölfarbe zu bemalen. Seine Auswahl ist rein subjektiv, Material wird, was ihn interessiert. Oft sind es Porträts anderer Künstler, aber auch Modefotografien und zeithistorische Abbildungen können darunterfallen. Die einen komplettiert Holm einfach mit einem Extrafarbüberzug, anderen fügt er malerisch Kommentare hinzu, die farbig markierten Backsteine im Hintergrund von „Partners in Party“ etwa, oder indem er Augen oder Gesichter unkenntlich macht. So legt er in „Second Option“ einen schwarzen Balken über Andy Warhols Blick und lässt in „Kind Gott“ die Züge von Jonathan Meese und Jörg Immendorff gleich ganz verschwimmen. In den Arbeiten manifestiert sich Holms persönliche Auseinandersetzung mit Kunstgeschichte und Zeitgeist, mit Hochkultur und Pop; die Titel bieten weitere narrative Anknüpfungspunkte.

Es geht der Fotografin um die Augenblicke, in denen ein Verschwimmen der Grenzen sichtbar wird, und sich der natürliche Widerspruch offenbart. Es ist unklar, wo in ihren Bildern das Reale endet und das Traumhafte beginnt. Sie strahlen Intimität, Zartheit aus, und in dieser Verletzlichkeit schwingt gleichermaßen Gefahr, Gefährdung mit. Solcherart können Wöhlers Fotografien als poetisch-romantisches Bekenntnis einer Künstlerin gedeutet werden, die nach Wahrhaftigkeit sucht – oder wie sie es selbst formuliert hat: „Es ist mein Anspruch, eine Form von Wahrheit zu schaffen. Ein für mich gutes Bild zeigt oft einen Zwiespalt, ohne dadurch unklar zu sein, im Gegenteil, es wird authentisch und erzählt eine Geschichte.“

René Holms künstlerische Laufbahn begann auf der Straße: „Chung“ nannte sich der 1967 geborene Künstler, als er noch mit Graffitis Wände, Mauern, Brücken und Gebäude seiner dänischen Heimatstadt Esbjerg markierte ‒ auf so bemerkenswerte Weise übrigens, dass er 1985 die lokale Graffiti-Meisterschaft gewann. Erst mit über 30 absolvierte er ein Studium an der Kunstakademie in Aarhus. Inzwischen hat sich Holm als Künstler längst etabliert, stellt seine Kunst international in Galerien, Museen und auf Messen aus. In Dänemark wird er von den Galerien Benoni und Franz Pedersen vertreten, in Berlin, wo er seinen zweiten Wohnsitz hat, von Selected Artists.

Die 90er Jahre, dieses feier- und tanzwütige, hedonistische Dezennium am Ende des 20. Jahrhunderts ‒ einer, der zu seinem Soundtrack gehört, ist unbedingt Moby. Ihn traf der deutsche Konzeptkünstler Jurgen Ostarhild zum Shooting im Londoner South Kensington 1991, also genau zur richtigen Zeit. Ostarhild fotografierte damals für das in Bezug auf Bildsprache und Typografie richtungsweisende britische Lifestyle-Magazin „i-D“. Er nutzte den Schnappschuss als ernst zu nehmendes Mittel der Fotografie und schuf schonungslose, teils extrem hell ausgeleuchtete Porträts von großer Nähe und Intensität. Die Musiker Jamiroquai und Air, die Modedesigner John Galliano und Nicolas Ghesquière oder das Supermodel Kate Moss, damals zarte 18 Jahre alt, sie alle ließen sich von Ostarhild ablichten. Entstanden sind stilbildende Porträts, die den Geist der 90er Jahre authentisch und ungefiltert in die Gegenwart transportieren.
Nur wenige Jahre zuvor, 1987, hatte Ostarhild schon Martin Kippenberger superclose fotografiert – ein intimes, noch nie veröffentlichtes Porträt dieses Ausnahmekünstlers im Zenit seiner Karriere.

Seine Karriere begann Jurgen Ostarhild Ende der 70er Jahre als junger Assistent von Oliviero Toscani, später vieldiskutiert für seine kontroversen Benetton-Kampagnen. Im Sommer 1979 wechselte er nach New York, wo er als Studioassistent des britischen Mode- und Porträtfotografen Albert Watson arbeitete, dessen Arbeiten regelmäßig die Cover der „Vogue“ oder des „Rolling Stone“ schmückten. Zurück in Deutschland, gründete Ostarhild 1982 dann sein eigenes Studio.
Später weltweit bekannten Fotografen wie Wolfgang Tillmans, Terry Richardson oder Juergen Teller ebnete er den Weg. Er hingegen ist bis heute zu Unrecht nur Insidern ein Begriff, dabei war seine Arbeit genrebildend. So erkannte er die Qualität des Schnappschusses als fotografisches Ausdrucksmittel, brachte die Action in die Modefotografie, schuf einzigartig intime, schonungslose Porträts und fotografierte superclose.

Der Himmel hat es dem Maler und Objektkünstler Friedrich Kunath angetan, vor allem der am Abend. Ihm überlässt der Künstler die mit Abstand größten Räume auf seinen Leinwänden. Dem Sonnenuntergang ist der Abschied ja von jeher eingeschrieben. Doch bei Kunath paart sich die Nostalgie mit dem Tragikomischen. Genauso wie die deutsche Romantik mit amerikanischer Popkultur. 1974 in der DDR geboren, in Ost- und Westberlin aufgewachsen, lebt Kunath heute in Kalifornien. „Die Farben sind heller geworden, die Subjekte dunkler“, sagte er nach seinem Wechsel nach Los Angeles. „At the same time being exuberantly happy and in a tropical depression“, so beschreibt der Musiker und Autor Timon Karl Kaleyta die Stimmung in Kunaths Werken.

"Gerade das florale Element war für mich immer besonders wichtig. Das sind für mich einfach Symbole, die den Kreislauf des Lebens – Tod, Geburt, Blühen, Aufblühen, Vergänglichkeit – symbolisieren.“ Der Maler und Illustrator Olaf Hajek feiert die Welt der Blumen und Pflanzen in seinen „Flowerheads“, Porträts von Frauen, auf deren Köpfen farbenprächtige und symbolträchtige Stillleben wachsen.
In der im Mai 2020 entstandenen handsignierten Edition „Golden Tear“ zeigt sich eine wichtige Inspirationsquelle Hajeks: die Kunst Afrikas. Sie fasziniert und beeindruckt ihn zutiefst. Im Jahr 2011 verbrachte er drei Monate in Südafrika, um für eine Ausstellung in Kapstadt an neuen Werken zu arbeiten. In der Folge ist sein malerischer Duktus noch freier, seine Experimentierfreude noch größer geworden. Zugleich ist Hajek ein Geschichtenerzähler, seine Porträts erreichen auf ganz eigene Weise emotionale Tiefe. Man sollte sich Zeit nehmen für diese wirkkräftigen Werke. Denn schaut man sie an, begibt man sich auf kulturelle und seelische Entdeckungsreise und driftet ab ins verheißungsvolle Land der Fantasie.

In der Edition „SPIRALE IV“ beschäftigt sich Jo Niemeyer konsequent mit dem Goldenen Schnitt. In Zeiten des scheinbar Perfekten, wie es in den sozialen Netzwerken, etwa auf Instagram, tagtäglich inszeniert wird, stellt sich die Frage nach universeller Schönheit und Ästhetik umso drängender. Denn dem, was Menschen als harmonisch und schön empfinden, liegt immer noch der Goldene Schnitt zugrunde.
Niemeyer geht diesem Phänomen in seiner künstlerischen Arbeit nach, so auch in unserer Edition. Zur Vereinfachung nutzt er ausschließlich Primärfarben. Auf diesem Weg bringt er die jahrtausendealte Formel in unsere Gegenwart. Er ordnet das vermeintlich Ungeordnete. Das, was sonst oft unübersichtlich, verwischt und verschwommen wirkt, räumt er auf und sortiert es, und das, was vermeintlich subjektive Vorliebe ist, wird als einem universellen Code unterstellt erkennbar. Niemeyer visualisiert Grundsätze aus der Mathematik, die die konkrete Lebensrealität durchdringen, er macht die Strukturen, auf denen alles basiert, sichtbar.

Joseph Beuys schuf in den 80er Jahren, kurz vor seinem Tod, drei grafische Zyklen mit Titeln, die sich auf den Bereich der Musik beziehen: die „Suite Schwurhand“, die „Suite Tränen“ und die „Suite Zirkulationszeit“. „Suite“ bezeichnet in der Musik eine Folge von Tanzsätzen. In Anlehnung an diese Definition versteht man in der bildenden Kunst darunter eine Folge von Bildern, in denen der Künstler bzw. die Künstlerin ein Thema variiert. Kunsthistoriker und Beuys-Experte Peter Anselm Riedl interpretiert den Titel „Suite Zirkulationszeit“ als eine Anspielung auf die Zeit, in der sich etwas vollzieht, und die Zirkulation als sich verändernde Existenz- und Konsistenzzustände. </p>
<p>Die handsignierte Radierung „Taucherin“ (1982) gehört zu ebendieser „Suite Zirkulationszeit“. In der Serie aus 21 Blättern hat Beuys überwiegend Tiere und menschliche Figuren dargestellt. Die mädchenhafte „Taucherin“, in der Linken ein Fangnetz, stellt in ihrer verhalten-sanften Bewegung eine Verbindung zwischen den Elementen Erde, Wasser und Luft her. Ihr Schwebezustand vermittelt ein wunderbares Gefühl von Leichtigkeit.

Ist die Badewanne der letzte Ort des Rückzugs und der Kontemplation? Die transformierende Kraft des Wassers in der Wanne, die als Dreh- und Angelpunkt besonders in Filmen genutzt wird, fängt Bianca Kennedy mit ihrer Edition „Portraits of Taking a Bath in Movies“ ein. Denn im Film spielt die Badewanne und das, was in ihr passiert, eine besondere Rolle: als Ort von lebensverändernden Geheimnissen, von Mord und Totschlag oder auch als Beichtstuhl, in dem Verborgenes preisgegeben wird.
Jede der Zeichnungen leuchtet in feinen Linien die Besonderheiten dieses spezifischen Ortes aus und lässt durch den dynamischen Strich den Raum offen für das, was der Film auch leistet: nämlich für das Davor und Danach der Szenerie. Dargestellt ist nur ein Ausschnitt aus einem weitaus größeren Narrativ, der zugleich voller sozialer Kodierungen ist.

Joel Meyerowitz zählt zu den bedeutendsten Mitbegründern der „Street Photography“ und der „New Color Photography“. Seit 1962 fotografiert er in Farbe ‒ seinerzeit ein Novum, denn nur die Schwarz-Weiß-Fotografie war damals als Kunst anerkannt. Gegenstand von Meyerowitz‘ Momentaufnahmen war das pulsierende Leben auf den Straßen New Yorks. Bis heute prägen seine Fotografien unser Bild von der amerikanischen Metropole. „Farbe hatte mehr beschreibende Kraft als Schwarz und Weiß. Ich verstand es als eine Erweiterung der Bandbreite von Inhalten und Emotionen“, hat Meyerowitz seine Entscheidung erläutert.
Als 2001 die Türme des World Trade Centers einstürzten, verschaffte sich der Fotograf Zugang zum tagelang abgesperrten Gelände und fotografierte das rauchende Trümmerfeld. Auch diese dramatischen Bilder haben sich in das kollektive visuelle Gedächtnis in Bezug auf New York eingeschrieben.

Hutchinson entwickelt Großstadtgeschichten von großer narrativer Kraft, die dabei aber nur einen Ausgangspunkt für eine mögliche Weiter-Erzählung und deren Wendungen bilden. Der Faltenwurf auf dem C-Print „Hoodie, green glow“ wird so zum Ausdruck einer inneren Haltung, Sinnbild einer Emotion. Doch die Fotografien betören uns auch allein im Hinblick auf ihre visuelle Form: durch ebenjenes leuchtende Grün, den Glanz einer Silberfolie oder die Reflexionen einer roten Synthetikjacke. „Eine Art bittersweetness und Poesie“ wohne seinen Werken inne, sagt Hutchinson, andere nennen es auch: Magie.

Als „Kolbojnik“ beschreibt der Künstler Tal R den Stoff, aus dem seine Werke sind. Das hebräisch-jiddische Wort steht für den gemeinsamen Abfalleimer im Kibbuz, und der in Israel geborene Däne deutet damit an, dass es eine große Bandbreite an Themen ist, die er in seinen Arbeiten „recycelt“. Tal R bewegt sich auf den Feldern der Malerei und der Installation ebenso wie auf denen der Mode oder der Skulptur; er bedient sich populärer Sujets wie des Comics, der Videospielästhetik und der Musik. Gleichzeitig leuchten immer wieder Momente der Kunstgeschichte auf.

Günther Uecker zählt zu den wichtigsten Nachkriegskünstlern Deutschlands überhaupt. 1961 wurde er Mitglied der von Heinz Mack und Otto Piene kurz zuvor gegründeten Gruppe ZERO und wandte sich daraufhin verstärkt der Lichtkunst zu. Wenige Jahre später, 1970, war er neben Karl-Georg Pfahler, Mack und Thomas Lenk deutscher Vertreter auf der Biennale in Venedig. Seine Hauptwerke, wie etwa seine genagelten Reliefs, werden heute am Kunstmarkt auf eine halbe Million Euro oder mehr taxiert.

Sie ist eine der bedeutendsten und vielseitigsten deutschen KünstlerInnen überhaupt: Rosemarie Trockel, die in den 70er Jahren erst Anthropologie, Theologie und Mathematik studierte, bevor sie zum Kunst- und Designstudium nach Köln wechselte, fertigt Skulpturen, Zeichnungen, Installationen und Objekte, die aus dem Rahmen fallen – unvorhersehbar, rätselhaft und lebendig.

Lars-Gunnar Nordström war ein finnischer Maler, Grafikdesigner, Bildhauer und Jazzliebhaber. 1924 geboren, arbeitete er über Jahrzehnte an seinem künstlerischen Werk, bevor er 2014 im hohen Alter von 90 Jahren starb. Als Pionier der Konkreten Kunst in Finnland schuf Nordström ein Œuvre aus streng komponierten Formen und Farben. Musik war dabei eine seiner wichtigsten Inspirationsquellen.

Über 100 verschiedene Stile und Techniken werden Jiří Georg Dokoupil von der Kunstwelt zugeschrieben. Er selbst meinte schon 1992, eine Retrospektive seines Werkes werde einmal aussehen wie eine Gruppenausstellung von 20 Malern. Dies hat sich inzwischen bewahrheitet: Große Soloausstellungen in den Hamburger Deichtorhallen oder im Museo Nacional Reina Sofia in Madrid sind der eindrucksvolle Beleg dafür.

Welche Antwort gibt man auf diese Frage: „Doesn't everyone make mistakes in September?" Auf 2014 datiert ist diese Edition in Schwarz-Weiß. Die Originalzeichnung entstand bereits 1976. Damals zeichnete Dorothy Iannone das Motiv auf eine Postkarte. Noch im selben Jahr gab die in Boston, Massachusetts, geborene Künstlerin ihrem Leben eine neue Richtung und ging mit einem DAAD-Stipendium nach Berlin. Dort lebt sie bis heute. Neben dem ironisch anmutenden Text der Zeichnung fällt Iannones explizite Bildsprache ins Auge, ein Mix aus Comic-Ästhetik und tantrischer Malerei bzw. buddhistischer Motivik. Letztere entdeckte die Künstlerin auf ihren Auslandsreisen.
Weibliche Sexualität, freie Liebe: Iannones Kunst der Kompromisslosigkeit verweigert bereits seit den 1960er Jahren die Zensur. In Gemälden, Texten, Bilderzählungen und Filmen kämpft sie für die Emanzipation. Ihr Werk dreht sich um die sexuelle, aber auch intellektuelle Unabhängigkeit der Frau und ihrer Gleichheit im Verhältnis zum Mann.

Eine seiner frühesten Arbeiten verwirklichte Michael Sailstorfer noch ohne Auftraggeber: Er stattete Wartehäuschen an Bushaltestellen in seiner bayrischen Heimat mit Betten, Kochstellen, Tischen, Stühlen und Toiletten aus und nannte seine Installationen „Wohnen mit Verkehrsanbindung“. Und schon sie verweisen auf zwei wichtige Komponenten seiner Arbeitsweise: die Lust an der Umwandlung von Alltagsobjekten und Humor.

Sein malerisches Schlachtfeld war die geometrische Abstraktion. Und ihr fügte Victor Vasarely durch raffinierte Raumsuggestionen eine entscheidende Komponente hinzu: den optischen Effekt. Deshalb gilt der in Ungarn geborene Künstler (1908‒1997) als Vater der sogenannten Op-Art. Diese fordert uns mit wahrnehmungspsychologischen Wirkungen von Bildmustern heraus, löst Bewegungs- oder Flimmereffekte auf der Netzhaut aus. In die Kunst Vasarelys flossen auch seine Erfahrungen als Grafiker ein. Für die Olympiade in München 1972 entwarf er das offizielle spiralenförmige Logo. Und auch die Raute von Renault entstammt seinem Zeichenblock. Von 1955 bis 1968 waren seine Arbeiten regelmäßig auf der Kasseler Documenta zu sehen. Vasarely gründete im Jahr 1976 die Fondation Vasarely in Aix-en-Provence. In seiner Geburtsstadt Pécs eröffnete 1976 das Vasarely-Museum. Ein weiteres folgte 1987 in Budapest.
In 2018 / 2019 zeigt das Städel Museum in Frankfurt eine Retrospektive des Künstlers.